Während deiner Residency im MQ planst du, gemeinsam mit Ana Maria Maravić an einem Bilderbuch zu arbeiten. Wie stellst du dir die Adaption dieses Projekts in einen Animationsfilm vor?

Da die Hauptfiguren des Bilderbuchs Frösche sind und ihr natürlicher Lebensraum Schlamm und der See ist, schien es naheliegend, Ton als visuelles Ausdrucksmittel zu verwenden. Ton ist tatsächlich Ana Marias Material, und wir möchten ihn mit Zeichnungen kombinieren, einem Medium, dem ich mich sehr nahe fühle. Während der Residency wollen wir Skulptur und Zeichnung zusammenbringen, um unsere gemeinsame visuelle Sprache zu finden. Das ist der erste Schritt, und der Animationsfilm ist ein weiterer, ferner Schritt, über den wir erst nachdenken können, wenn wir das Bilderbuch fertiggestellt haben.

Du wirst nun gemeinsam mit jemandem einen Film kreieren – bevorzugst du generell die Zusammenarbeit beim Filmemachen oder arbeitest du normalerweise allein?

Ich arbeite lieber unabhängig zu Beginn eines Projekts, während ich die Geschichte, das Drehbuch und das Storyboard entwickle. Aber später in der Produktion genieße ich es, von Mitarbeiter:innen umgeben zu sein. Bei Y habe ich bereits mit Darko Bakliža zusammengearbeitet, der einer älteren Generation von Animatoren angehört, und mit meiner Universitätskollegin Kata Gugić. Die Zusammenarbeit mit dem Sounddesigner Vjeran Šalamon war ebenfalls sehr wichtig für Y, da er völlige Freiheit bei der Erstellung der Musik und Geräusche hatte und dem Film eine neue Perspektive verlieh. Zusammenarbeit ist ein Dialog, und das Ergebnis dieses Dialogs sind die Spuren und Signaturen anderer Autor:innen im Film. In der Zusammenarbeit ist es mir wichtiger, dass die Signatur der anderen Person sichtbar ist, als dass alles vollständig übereinstimmt.

Dein Film Y ist ein intimes Porträt einer zerbrechenden Beziehung. Siehst du das Filmemachen als eine Möglichkeit, persönliche Emotionen oder Erfahrungen zu verarbeiten?

Es dauert ziemlich lange, bis ich persönliche Kämpfe verarbeite. Wenn ich über Emotionen nachdenke, gehe ich in die Tiefe, verändere mich, hinterfrage mich selbst und andere. All das braucht viel Zeit, genau wie das Erstellen eines Animationsfilms. Deshalb finde ich es interessant, diese beiden langsamen Prozesse zu verbinden, als einen Weg, persönliche Einsichten zu gewinnen, während ich gleichzeitig etwas Greifbares hinterlasse – Emotionen zu materialisieren. Animation gibt mir die Zeit, die ich brauche, um die Realität zu verarbeiten. Wenn ich zum Beispiel schreibe, komme ich viel schneller zu Schlussfolgerungen und Lösungen, aber mit der Zeit fühlen sich diese Lösungen oft überstürzt an.

Y zeigt die Komplexitäten einer lesbischen Beziehung. Denkst du, dass authentische queere Repräsentation im Film immer noch fehlt – und dass Darstellungen oft entweder idealisiert oder verurteilt werden?

Während der Arbeit an Y konzentrierte ich mich nicht so sehr auf den lesbischen Aspekt, sondern mehr auf die universell ironische Tragödie – dass Form etwas ist, durch das wir uns (als Liebende) erkennen, aber auch etwas, das uns später trennt, egal wie sehr wir versuchen, eine gemeinsame Sprache zu finden. Queere Filme geben den Zuschauer:innen Raum, über Geschlecht, Sexualität, Wahrnehmung und Identität nachzudenken. Aber ich glaube auch, dass Filme nicht nur durch das verstanden werden können, was „auf dem Bildschirm“ ist. Es ist wichtig zu überlegen, wie diese Filme gemacht wurden, wer sie gemacht hat, wer sie finanziert, wer das Publikum ist (woher es kommt, sein kultureller Hintergrund), wie dieses Publikum reagiert und welche politischen Kämpfe um und in ihnen stattfinden.

Als Teenager, der in einer sehr kleinen Stadt aufwuchs, während einer Zeit, in der Pride-Paraden in Kroatien mit Drohungen und Rufen wie „Tötet die Schwulen“ konfrontiert wurden, bedeutete jeglicher queerer Inhalt eine riesige Revolution für mich. Ich erinnere mich, dass ich sogar zwei Sätze in Mein Name ist Rot von Orhan Pamuk fand, die ich als erotische Spannung zwischen zwei Frauen interpretierte, obwohl ich nicht denke, dass das die Absicht des Autors war. Ich glaube, dass selbst heute, leider, die Hälfte der Welt immer noch eine bedrohliche Haltung gegenüber der queeren Gemeinschaft einnimmt, und deshalb kann selbst weniger „authentischer“ Inhalt das Leben von jemandem zum Besseren verändern, in ihnen eine Revolution wecken, den Wunsch zu kämpfen.

Und aus den Reaktionen auf meinen Film kann ich sehen, dass die Menschen ihn je nach ihrem Standort in der Welt unterschiedlich sehen. Für einige mag er banal erscheinen, aber für andere könnte er etwas Bedeutungsvolles oder Hilfreiches bieten.

In der heutigen politischen Klimazone, wie wichtig ist es, queere Erzählungen im Film und in der Animation zu zentrieren?

Ich glaube, dass queere Erzählungen wichtig sind, aber noch wichtiger ist, wer sie erzählt, wie sie erzählt werden, für wen sie erzählt werden und unter welchen Bedingungen. Es ist entscheidend, im Hinterkopf zu behalten, dass Filme nicht nur politische Systeme widerspiegeln, sondern auch ein Produkt dieser Systeme sind.

Das Fokusthema von Vienna Shorts 2025 ist „Move Closer! Radical Intimacy.“ Was bedeutet radikale Intimität für dich – und denkst du, dass wir sie mehr durch Kunst erforschen sollten?

Während der Arbeit an dem Film Y bedeutete radikale Intimität für mich vollständige Offenlegung auf mehreren Ebenen; emotional, physisch und intuitiv. Neben der Regie und Animation des Films posierte ich auch nackt mit meiner damaligen Freundin. Ich sollte wahrscheinlich erwähnen, dass wir uns zu dieser Zeit trennten, doch gerade in dieser Zeit verstanden wir uns am meisten, zumindest intuitiv, weil wir die Beziehung aus einer neuen Perspektive sahen, die nur die Kunst uns bieten konnte. Obwohl wir wussten, dass die Trennung unvermeidlich war, wurde das Studio zu einem Raum, in dem wir für einen Moment eine neue gemeinsame Sprache schufen. Das ist für mich radikale Intimität.

Y ist ein zutiefst intimes Werk. Wie gehst du daran heran, Nähe und Verletzlichkeit durch das Medium der Animation darzustellen?

Ich würde meinen Ansatz zu persönlichen und verletzlichen Themen niemals als gerade, glatte Linie beschreiben. Ich habe das Drehbuch zwei Jahre lang geschrieben und umgeschrieben, denn so sehr ich offen sein wollte, wollte ich mich auch schützen, mich vor anderen verstecken. Und das frustrierte mich zutiefst. Morgens schrieb ich eine emotionale, ehrliche Version, und am Abend fühlte sie sich pathetisch an, also schrieb ich das komplette Gegenteil, das sich dann am nächsten Morgen kalt und distanziert anfühlte. Es war alles Teil eines langen Prozesses. Ich musste mir selbst eingestehen, was dieser Film für mich bedeutete, und er bedeutete einen sicheren Raum, in dem ich genug Zeit hatte, meine persönlichen Kämpfe zu verarbeiten. Ich musste mich zwingen, zu vergessen, dass dieser Film von einem Festivalpublikum gesehen werden würde, das mich möglicherweise danach beurteilen könnte. Erst als ich das vergessen konnte, konnte ich mich dem Film mit vollständiger Offenheit nähern. Ich machte ihn nicht mehr für ein Publikum, sondern für mich selbst und alles, was damals in mir verborgen war.

Kannst du ein wenig darüber erzählen, worum es in deinem nächsten Film gehen wird?

Ich habe ein paar Ideen, die noch etwas Zeit benötigen. Es ist schwer zu sagen, welche ich vertiefen werde, weil sie alle etwas Persönliches tragen, aber im Kern unterschiedliche Themen haben; von humorvollen Situationen bis hin zu Ideen über den Tod, das Manipulieren von Erinnerungen und so weiter. Ich möchte immer wieder vor persönlichen und schwierigen Themen davonlaufen, aber irgendwie komme ich oft zu ihnen zurück, egal wie sehr ich versuche, sie durch ein anderes Medium auszudrücken, wie das Schreiben.

Du arbeitest auch als Visual-Effects-Künstlerin. Wie vergleicht sich das mit deiner Arbeit als unabhängige Filmemacherin – und findest du einen Sinn für Selbstausdruck darin, die Vision eines anderen zu verwirklichen?

Ich genieße es, an den Projekten anderer Menschen zu arbeiten, weil ich selbst als Visual-Effects-Künstlerin die Chance bekomme, in die Welt der Vorstellungskraft eines anderen einzutauchen. Es ist interessant zu beobachten, wie andere die Welt sehen, und es passiert oft, dass sie sie auf eine völlig andere Weise sehen, fast so, als würden wir in parallelen Welten leben, was mich meistens glücklich macht.

Das Interview wurde von Fanny Berghofer, Vienna Shorts, geführt.