The Roots of Small Fires

Die Ausstellung verwebt persönliche Erzählungen, materielle Erinnerung und die komplexe historische und kulturelle Dynamik Südosteuropas. Sie reflektiert auch eine umfassendere Mission: die Stärkung des kulturellen Kapitals der Region durch den Aufbau nachhaltiger Verbindungen zwischen Künstler:innen, Institutionen und gemeinsamem Fachwissen.

Milica Živković präsentiert eine raumgreifende Installation aus neu geschaffenen Arbeiten. Motive von „The Roots of Small Fires“ (Die Wurzeln kleiner Feuer) begleiten die Künstlerin bereits seit einigen Jahren; hier werden sie jedoch in eine neue Phase ihrer künstlerischen Praxis überführt.

Mehrere Motive der hier präsentierten Installation verweisen in abstrahierter Form auf die Erfahrung der Rückkehr an einen Ort, der mit ambivalenten Gefühlen, aber auch mit Widerstandsfähigkeit verbunden ist. Die silbern schimmernden Stoffe, die als Malunterlage dienen, spielen auf die pompöse Ästhetik des Turbo-Folks an. Dieser Musikstil, der häufig mit Nationalismus und den Jugoslawienkriegen in Verbindung gebracht wird, prägt als eine Art Hintergrundgeräusch Živkovićs Erinnerung an ihre Kindheit. Auf den Stoffen finden sich abstrakte, wurzelähnliche Formen, die wie Gesten der Ver- und Entwurzelung anmuten. Die Malereien auf den Stoffen bleiben dabei nicht in konventioneller Weise flach und in einem abgegrenzten Rahmen, vielmehr weiten sie sich in den Raum aus – wie Wurzeln, die sich nicht unlösbar im Boden festkrallen, sondern vorwärtsstreben.

Die Besucher:innen bewegen sich in „The Roots of Small Fires“ über eine Bühne des Erinnerns, einen Ort an der Schwelle von Vergangenheit und Zukunft – ein Wechselspiel aus Licht und dessen Abwesenheit.

Die Ausstellung wurde durch das UNIQA SEE FUTURE Foundation: Mentorship Program for Visual Artists in Zusammenarbeit mit der Künstlerin und Mentorin Šejla Kamerić, Nomad – Croatian Office for Contemporary Art, Nomarts – Kunstverein zur Schaffung von Kunstsammlungen sowie dem MuseumsQuartier Wien realisiert. Ein Großteil der präsentierten Arbeiten entstand während Milica Živkovićs zweimonatigem Aufenthalt als MQ Artist-in-Residence in Wien.

Kuratiert von Astrid Peterle.

„There is a shape that keeps returning to me – a claw, a flare, a flicker of light breaking through something dark. I have painted these shapes obsessively on shiny fabrics – synthetic silk, organza and iridescent artificial satin, that once belonged to the world of turbo-folk: the background noise of my childhood, that strange theatre of glitter and decay. Those fabrics shimmer like the nights in my hometown; wounded, ecstatic, pretending to be eternal. I think I paint them to understand what beauty means in a place that has seen too much of it, too easily, within the context that was very often everything but beautiful.

The shape first came to me as a wound, a small rebellion against the inside noise, and now it began to grow roots. Not roots that settle, but ones that wander. They stretch through metal, through paper and fabrics, through the faint memory of making things by hand when there was nothing else to do but survive. These forms reappear across paintings and objects, each time carrying new traces – scratches, seams, and layered gestures that echo the persistence of memory. With each new series of these objects and paintings comes new re-interpretation.

When I returned home after years of migrations, my hometown seemed heavier, as if its bones had turned to glass, metal and dust. Corruption had found its rhythm, and the spectacle was no longer pretending to be temporary. The past was everywhere, seductive, broken and familiar. I began to see the same root, the same claw, in the streets, in the gestures of people waiting for something unnamed to finally be resolved.

And there comes the lamp. Which, for me, represents a body that remembers.

In Balkan slang, to say a woman “looks like a lamp” is to objectify her beauty. I took that phrase and made it mine because it exposes the same distorted values my work confronts. I build lamps that hold the same paper shades from my childhood, but their stands now twist and turn into root-like forms, half organic, half industrial. They are remnants of both tenderness and resistance. They remember the factories, the hands of my father, the dust of metal, and the quiet laughter of trying to make something shine in the darkness.

In these new series, paintings mimic that transformation: monochrome gestures on shiny fabric, the same material worn by turbo-folk singers, representing a glittering backdrop to a society in collapse. They hold the tension between surface and depth, between the shine of spectacle and the dull ache of what lies beneath. I think of them as small altars to contradiction, to the way light can come from exhaustion, and how pain, when it finally roots itself, can grow into something luminous.

In the MQ Freiraum space, I imagine these works breathe in the light. The fabrics shift as the viewer moves, the lamps cast intimate and uneven shadows, and the gallery becomes a kind of stage for remembering. What was once private becomes spatial, a sort of dialogue between reflection and residue.

I no longer separate the personal from the political. They share the same pulse, the same soil. My work is that soil, tangled, reflective, and quietly alive. It begins with the claw, the claw transforms into the root, the leaf, the lamp; and ends somewhere between collapse and grace, where memory stops being history and finally overcomes it.“